오픈 스튜디오 투어를 통해 만난 카보로 출신 두 예술가와의 대화

매년 11월 첫 두 주말에 열리는 ‘오렌지 카운티 오픈 스튜디오 투어(Orange County Open Studio Tour)’는 카운티 전역에서 펼쳐지는 오픈 하우스와 매우 유사합니다. 시각 예술가들은 자신의 작업실뿐만 아니라 호기심 많은 예술 애호가들에게 자신의 생각, 내면의 세계, 그리고 작품 제작 과정까지 열어둡니다. 이는 소매 환경 밖에서 회화, 도예, 사진, 조각 등을 체험하고 예술가 및 창작자들과 직접 소통할 수 있는 기회입니다. 갤러리에서는 거리감이 느껴지고 작품을 만질 수 없는 반면, 스튜디오 투어는 촉각적이고 감각적인 경험을 제공합니다. 젖은 물감이나 마르는 점토의 냄새, 천이나 종이의 조각들, 많이 사용된 붓, 낡은 도구들, 그리고 방문객을 맞이하기 위해 정리되었음에도 불구하고 작업실 특유의 먼지와 미완성된 모습까지 말이죠. 예술가들은 작업실에서 상당한 시간을 보내며, 대개 그곳을 비공개로 유지합니다. 이 투어는 예술가들을 더 잘 알아가고, 그들이 자연스러운 환경 속에서 작업하는 모습과 작품을 직접 볼 수 있는 기회를 제공합니다. 

11월 인쇄판에서 The Carrborean 은 2026년 투어에 참여하는 카보로 출신 예술가 8명을 미리 소개했으며, 이 정보는 온라인에서도 확인할 수 있습니다. 이후 첫 주말에 두 명의 작가를 더 방문하여 더 깊이 살펴보았습니다. 이 행사는 11월 14일~15일, 토요일 오전 10시~오후 5시, 일요일 정오~오후 5시에 무료로 참가할 수 있습니다. 각 스튜디오에는 번호가 매겨져 있습니다.

# 44 로스 포드: 형태와 색채에 초점을 맞춘 추상 회화 

로스 포드의 그림은 한 가지, 즉 인간의 얼굴과 머리에 뚜렷이 집착하고 있습니다. 그 이유를 묻자 그는 이렇게 말했습니다. “그건 강박이에요. 제 말은, 예술이란 게 원래 강박이니까요.” 

그의 모든 작품이 추상적이긴 하지만, 그중 일부는 머리와 얼굴로 더 쉽게 알아볼 수 있다. “고등학교 때 공책 여백에 낙서를 하던 신경질적인 습관에서 시작되었어요.” 하지만 왜 하필 이 해부학적 특징일까요? “얼굴은 보편적으로 통하는 언어입니다. 표정은 문화와 장벽을 초월해 동일한 의미를 지닙니다.” 

포드의 작품은 인간의 감정과 정서를 표현합니다. “이것들은 순간들입니다. 각각은 그 표정이 딱 맞아떨어졌다고 느꼈던 순간이죠. 저는 작품에 제목을 붙이지 않습니다. 단지 완성되었다고 느껴진 날짜만 기록할 뿐입니다.”

작품들이 추상적이기 때문에 해석의 여지가 넓습니다. “그림을 어떻게 해석하고 그 안에서 무엇을 보느냐는, 여러분이 작품에 어떤 의미를 투영하느냐에 따라 달라집니다.” 포드는 일찍이 만화책을 통해 시각적 언어를 발견했습니다. “슈퍼히어로 만화에서 유일하게 다른 점은 얼굴뿐이며, 그 얼굴을 통해 수많은 것을 전달해야 합니다.”  

대학 시절과 그 이후로, 포드는 자신의 기법을 갈고닦으며 수천 점에 달하는 그림을 그려왔다. “모든 기법은 독학으로 익혔습니다,”라고 그는 말했다. 이 말은 오늘날의 기술에도 불구하고 그의 작품을 재현하는 것이 얼마나 어려울지에 대한 대화로 이어졌다. “소셜 미디어 피드는 일시적이며, 그것이 원본인지 알 수 없습니다. 그림 앞에 서 있는 경험은 휴대폰으로 보는 것과는 비교할 수 없습니다.” 

수십 년에 걸쳐 그려진 수천 점의 그림은 그의 강박적인 열정을 보여주며, 독창성과 기법이 스튜디오에서의 평생에 걸친 연습을 통해 어떻게 쌓여가는지에 대해 많은 것을 말해줍니다. 예술을 디자인하는 것은 감정이 없는 알고리즘이 아니라, 도구를 들고 색과 재료를 사용하여 캔버스 위에 끝없이 반복해서 그림을 그리는 감정을 가진 인간입니다. 

포드는 자신이 다시 손댄 한 점의 그림을 보여주며, 과거에 사용하던 날카로운 기하학적 선들을 추가하되 최근 자신의 작품이 진화해 온 방식에 맞춰 표현했다고 설명했다. 전시된 다른 몇 점에 대해 설명하며 그는 이렇게 지적했다. “이 작품들은 마일라(Mylar) 위에 주방용 고무 주걱으로 그린 것입니다. 마치 팔레트 나이프처럼 작동하죠. 주걱이 표면 위를 미끄러지듯 움직입니다.” 물감은 일정 시간 동안만 젖어 있기 때문에, 모든 작품은 타이머를 설정해 두고 그렸습니다. 여러 색이 섞인 작품들의 경우, 포드는 각 색상 층이 마를 때까지 기다린 뒤 다음 색을 덧칠했습니다.  

# 51 셸리 헤헨버거: 자연과 자연과학 속의 패턴 

셸리 헤헨버거의 그림은 세포 구조, 지질학적 패턴, 그리고 아원자 입자의 입자적인 실체를 묘사합니다. “제가 자란 인디애나 남부에는 동굴과 폭포가 많았습니다. 저는 자연의 형태에 매료되었죠.” 그녀는 우리 모두가 이 세상에 녹아든 자연의 형태라고 느끼며, 그렇기에 자신의 매료가 당연하다고 생각합니다. 대학 시절에는 아크릴 물감이 아직 등장하지 않았기 때문에 유화 물감으로 그림을 그리기 시작했습니다. 90년대에 아크릴 무광 젤이 등장하자, 그녀는 종이와 아크릴을 활용한 콜라주 작품을 많이 제작했습니다. 현재 그녀는 두 가지 콜드 왁스 매체를 주로 사용하고 있습니다. 

“이 매체는 원래 유화에 첨가하기 위한 것이었지만, 수년에 걸쳐 저는 이를 더 조각적인 방식으로 사용하기 시작했습니다.” 전시된 작품을 가리키며, 헤헨버거는 페인트 크래들 보드 위에서 현재 진행 중인 작업 방식의 가감 과정을 설명했습니다. “저는 콜드 왁스 작품을 만들고 있습니다. 층을 쌓았다가 깎아내고, 이렇게 얻은 재료들을 콜라주처럼 활용해 다시 콜드 왁스 매체 속에 녹여 넣는 식이죠.”&

최근 그녀는 색채와 형태에 집중하기로 결심하고 종이에 작은 그림을 그렸습니다. 그런 다음 그 그림들을 잘라내어 캔버스에 콜라주했습니다. “이는 형태들을 하나로 모으는 과정이며, 원래 그림 조각의 50% 이상을 완전히 덧칠하는 것입니다.” 

헤헨버거는 작업 속도를 늦춤으로써, 상상력이 일상적인 시간의 흐름에서 벗어나 진정으로 바라볼 수 있도록 하는 것을 목표로 합니다.   

오늘날 그녀는 어린 시절부터 가졌던 관심사를 이어가며, 노스캐롤라이나, 특히 애슈빌 주변의 산, 폭포, 식물에서 발견되는 암석과 자연의 형태를 탐구하고 있다. 그녀는 이곳이 너무나 오래되고 아름답다고 말했다. “질감이나 나무 껍질 같은 표면, 그리고 색상을 바라보면 평소의 시간과는 다른 ‘지구의 시간’을 느낄 수 있습니다,”라고 헤헨버거는 말하며, 자연 속 탐험을 통해 경험하는 ‘속도를 늦추는 과정’과 이를 자신의 그림에 어떻게 담아내는지 설명했다. 자연의 형상을 모방한 그녀의 작품 속 다단계 표면과 색상 패턴은 자유롭게 변형되고 재구성될 수 있다.  

그녀가 직접 쓰고 그림을 그린 동화책들이 한쪽 구석에 쌓여 있다. 그녀는 외부 의뢰인을 위해 방대한 양의 작품을 남긴 전문 일러스트레이터였으나, 이제는 그런 일이 사라졌습니다. “AI가 대신 해줄 수 있으니 아무도 일러스트레이터를 고용하려 하지 않습니다.” 대신 그녀는 스스로 굳어지지만 완성까지 약 일주일이 걸리는 콜드 왁스 매체를 사용해, 한 걸음 한 걸음 손으로 천천히 작품을 만드는 데 집중하고 있습니다. 

‘오픈 스튜디오 투어(Open Studio Tour)’는 소비자 직거래 모델을 따르며, 예술가들에게는 또 다른 판매처를, 예술 애호가들에게는 세련된 쇼룸 환경 밖에서 예술을 경험할 기회를 제공합니다. 현재 주류인 기술 트렌드는 인간이 만든 예술의 가치를 떨어뜨리고 있습니다. 지역 사회에서 예술가들과 직접 소통할 수 있다는 점은 매우 중요한 일입니다. 기법과 과정을 존중하며 의도적으로 제작된 예술이 꽃피는 곳에서는, 우리는 타인의 시선에 발을 들여놓고 아름다움과 새로운 의미를 발견하며, 우리 자신의 시야를 넓힐 수 있습니다. 지역사회에는 소비자보다 예술가가 더 많으며, 이러한 생태계를 지원한다는 것은 독창적이고 정성스럽게 사람의 손으로 만들어진 예술이 살아남고 번성할 수 있음을 의미합니다. 우리가 인간의 창의성을 마주할 때, 그것이 진정성 있고 진실되며 사람의 손에서 탄생한 것임을 알기에 오래도록 기억에 남습니다.