Soft Vase, una exposición de arte madre-hija

Kaidy y Madeline Lewis se mudaron a Estados Unidos desde el Reino Unido y se instalaron en la zona del Triángulo en 2016. Madeline vio cómo el trabajo de su madre cambiaba a medida que se aclimataba al nuevo entorno. "Creo que algo se transformó cuando llegamos a Estados Unidos". El nuevo trabajo reflejaba "una apertura". Para Madeline, "una de las cosas que más me gustan de estar aquí es el optimismo o la sensación de que podemos cambiar las cosas, de que podemos hacer cosas; hay más poder para el individuo. Mientras que en el Reino Unido parecía más como: 'Oh, no, realmente no puedes hacer eso. No es el lugar". Así que esa apertura, se siente como si hubiera una energía de 'tú': ¡puedes hacerlo! Es bonito". En la espaciosa galería de Muse, madre e hija han creado una experiencia que deleitará, provocará la reflexión y despertará el sentido de la maravilla.

Kaidy Lewis describe su obra como una investigación de un sentimiento, un tema, un asunto que no tiene sentido. Su lienzo se convierte en un acto de exploración e investigación para dar sentido a algo. The Carrborean le pidió que hablara a través de un ejemplo.

En referencia a Suave reverencia [que aparece en la portada de noviembre de la edición impresa gratuita de The Carrborean], afirma: "Siempre vuelvo a la naturaleza muerta."

Contó que muchos pintores han dicho que el bodegón es todo lo que uno necesita pintar durante toda su carrera y que, a través de esa obra, cualquiera puede entender lo que es importante para ese pintor, "y ése es mi caso". Lo que eso significa es ver la interconexión a través de los objetos. "La razón por la que presto atención [a un objeto] es que soy una parte individual de él. Todos somos partes individuales de un todo, así que voy por el mundo y me afectan las cosas que oigo, las cosas que veo, y luego tengo toda mi experiencia vital... Intento aumentar mi autoconciencia y espero que a través de la pintura, eso llegue a otras personas y resuene con ellas".

Mientras pinta, deja de pensar literalmente y va al "espacio blando, la brecha". Describe su proceso como un viaje de excavación en el que intenta comprender algo a través de su obra. "Se siente como algo instrumental. Y el ego se deja caer. Eso forma parte del proceso".

Una paleta de colores distintiva: "Soy colorista, y creo que eso es casi independiente de la pintura. El color es muy importante para mí. Creo que es probablemente una de las mejores cosas de la vida, conocer la idea de que la luz se divide y obtenemos esta gama de colores.

Su obra trata de "deconstruir el caos en compasión" El cuadro Oración suave, se detuvo en muchos buenos lugares, dijo. "En el momento en que vi acercarse esta figura, para mí hay una figura aquí detrás. Aunque esto es una especie de naturaleza muerta, me encanta tener siempre una ventana por los diferentes mundos. Así que cuando apareció este personaje, supe que se trataba de reverencia. Simplemente tenía sentido para mí y, por fin, pude parar". En cuanto a la tetera, "quería hacerla en blanco y negro para hablar un poco del juego en el que nos sentimos inmersos todo el tiempo, que está casi separado del otro mundo en el que siempre estamos un poco metidos; siempre está ahí, pero no somos realmente conscientes de él todo el tiempo. Lo dejamos para el final. Quiero hablar del juego y luego traer lo espiritual. Y ahí es donde entran las damas".

A medida que pintaba, empezó a ver "mundos ricos" (a la izquierda) y "mundos que podrían estar plagados de guerras o donde podría haber algo más de caos" (a la derecha). Fue algo intuitivo. Cuando terminó, estaba contenta con el equilibrio de esta obra. "Intento decir, mira la historia, mira cuántas veces sientes que estamos dando vueltas y vueltas. Y la gente dice: 'la historia es buena porque aprendemos de ella', y yo sacudo la cabeza diciendo: '¿de dónde sacas eso? Este [cuadro] trata de ser positivo. El mundo no es perfecto. Pero lo que podemos hacer es buscar la armonía. Compasión a través del caos."

La obra de Madeline Lewis discute las relaciones entre "cuerpos, materiales y significado." The Carrborean le pidió que describiera cómo aparece eso en su obra. "Estoy obsesionada con la palabra 'cuerpo'. Para mí, significa algo más que lo que habitamos. Tiene que ver más con el panorama general, con lo más grande, con lo que sea de lo que formamos parte". La pieza roja (The Body) es el cuerpo físico.  

"El alma en el cuerpo es un árbol. Y por el peso es por lo que me inclino por el hilo: algo que pueda crear que tenga masa porque me parece un buen material en el que poder poner energía, para intentar hablar del contenedor o de lo que sea en lo que estemos. Me sentía tan frustrada por cómo se mira a la mujer, cómo se mira a las mujeres. Quería hablar de todo el significado y la plenitud que hay en el cuerpo y, de nuevo, de todo aquello de lo que formamos parte, y normalmente se nos despoja de ello. Siento que a veces es demasiado para que lo veamos, pero está ahí. Y cuanto más pueda hacerlo físico, mejor. Así que quería hablar del alma que llevamos con nosotros".

'Cuerpo' como singular y colectivo: "Sí. De nuevo, retomando lo que decía mamá, que somos individuales, pero también parte de un todo. Puede ser una cosa, pero también intenta hablar de todo. Y del cuerpo mayor del que se siente parte. Y el colapso de las ideas de distancia. La experiencia que a veces siento cuando estoy haciendo el material es que no hay ninguna distancia en absoluto". Su reto es expresar eso con el material.

Acerca de "la labor del cuidado", a la que se hace referencia en su declaración de artista: Explicó que los vestidos llevan mucho tiempo de confección "y parte de la razón por la que quiero hacerlo es porque quiero mostrar la devoción y el hecho de que nuestra existencia aquí es delicada y costosa." Trabajar en estas piezas puede provocar cortes y magulladuras, y en la vida "experimentamos constantemente cosas incómodas, pero también ricas en significado. Es mi forma de hablar de lo que significa estar en este mundo y de cómo nos afecta"

Respecto a las relaciones, "Me gusta pensar en las fibras y en todos los cruces y patrones que hay en ellas. Me parece que es casi un espejo exacto de lo que ocurre todo el tiempo. Las capas constantes, a veces la división, el conjunto, la adición más constante a ella, también, y luego se crea algo físico. Y estamos creando peso también. Es como si estuviéramos construyendo este cuerpo. Es casi como el músculo. Es el hilo y se siente como un músculo en la construcción, por lo que se siente como la relación entre las cosas."

Siente una energía en los tejidos que afecta a la forma en que los utiliza. Le gusta trabajar con materiales de segunda mano. "Cuando algo es fresco y nuevo, puedes sentirlo. Es un lienzo en blanco, aunque tenga un estampado o un diseño particular. Algo que ha sido usado o utilizado tiene un peso extra, lleva la historia de quien lo vistió o lo usó. Y si puedo utilizarlo en mi trabajo, soy muy particular. A veces no me gusta la sensación energética de determinadas piezas de tela y elijo las que creo que resuenan más con la sensación que intento captar. Y las que elijo suelen funcionar en armonía con las demás para crear una experiencia sensorial concreta."

Reign fue una obra de encargo. Ella la describe como "la luz en la oscuridad, el juego de interacciones y lo que intentamos conseguir en el mundo físico... los ciervos eran vitales". Había una pareja de ciervos que se acercaba cada mañana al lugar donde estaba trabajando en la pieza. Tomando una difícil decisión, utilizó material de una alfombra que le encantaba para representarlos en el vestido. "Pero la pareja, los ciervos, creo que era yo intentando hablar del amor y el ritmo. Y luego, al darles la vuelta [para mostrar la parte inferior de la alfombra], intenté dejarme llevar."

Además de su obra textil, Madeline Lewis utiliza objetos encontrados para construir piezas con distintos significados.

El futuro: "Tengo algunas ideas para algunos vestidos que me gustaría hacer. Creo que me alejaré un poco del ganchillo. Voy a probar diferentes técnicas de tejido. También quiero trabajar con algunas fibras más naturales". Y no exclusivamente con tela. "En realidad, recientemente he estado pensando que quiero trabajar con un musgo, así que esa es mi próxima [pieza]."

Vea Soft Vase, la exposición, en Muse Gallery, 201 East Main Street hasta el 28 de noviembre.